【第一现场】“季雪忠书法习作展”在北京国艺美术馆隆重开幕（送豪华作品集）

贺进 · 发表于 2013-6-18 22:25

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本帖最后由网站编辑于 2013-7-13 12:31 编辑

【第一现场】
“季雪忠书法习作展”
在北京国艺美术馆隆重开幕
2013.6.18

-----现场视频-----
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【书艺公社讯】贺进报道
“季雪忠书法习作展”6月18日下午3时在北京国艺美术馆隆重开幕。本次展览由中国国家画院胡抗美、曾翔工作室、中国汉字艺术中心、中共张家港市委宣传部主办，北京国艺美术馆、张家港市文学艺术界联合会、张家港市书法家协会协办，中国国家画院书法篆刻院学术支持。

中国书协副主席胡抗美、中国书协秘书长陈洪武、中国书法院院长管峻、中国书协理事张继、中国国家画院书法篆刻院篆刻研究所所长曾翔、中国书协理事张公者、中国金融书协副主席李相国、张家港市政协副主席李汉忠、北京国艺美术馆馆长王清杰等领导，以及著名书法家刘彦湖、陈忠康、杨涛、陈海良、朱培尔、马啸等，参加了开幕式并参观了展览。开幕式由中国国家画院书法篆刻院篆刻研究所所长曾翔主持。

此次展览共展出季雪忠的书法近作150余幅，尤以巨幅作品引人入胜，作品最大尺幅近百平米，现场极为震撼。真草篆隶行皆有精彩表现。作品突出了独立的艺术思考，其强烈的墨色对比、组合关系的对立统一，形成了本次展览的亮点。小幅作品朴茂古穆、精美纯雅。作品的形式多样、主题新颖，既有较深的传统功力，又给人以强烈的视觉冲击力。成为当代书法构成新路径的又一探索，为当下书法创作提供了一个新的命题。

开幕式结束后，举行了“季雪忠书法习作展”研讨会，与会专家都给予较高的评价，并对他在书法作品中折射出的内在情感、形式建构，以及“书为心声”的书写状态给予充分肯定，其作品所体现出的生命自由，以及“书非书”的哲学本意，给当代书法界带来了一股新风。

央视网、新华网、《央视书画频道》、中国书法家论坛、《美术报》、《书法报》、《书法导报》等十多家专业主流媒体进行了全面报道。展览将于6月22日结束。

贺进 · 发表于 2013-6-18 22:25

本帖最后由贺进于 2013-6-18 23:01 编辑

季雪忠
号异堂
1973年生于江苏张家港
中国书法家协会会员
江苏省张家港市书法家协会副主席
2011年10月至2012年6月于中国国家画院胡抗美、曾翔工作室进修。

贺进 · 发表于 2013-6-18 22:27

本帖最后由贺进于 2013-6-18 22:58 编辑

若……若……方得谓之书
——季雪忠书法习作展序

胡抗美（中国书法家协会副主席、草书委员会主任）

看季雪忠的作品，如感受满天阵云，滚滚而来，滚滚而去；如面对澎湃大海，一浪接于一浪、一浪高于一浪。他实现的是真正意义的艺术创作，没有任何实用的痕迹，更没有半点功利的动机。纯正的追求艺术，创作纯真的艺术，在今天看来是奢望——因为在快餐文化的氛围中，要么艺术家不愿意如此去做，要么缺乏艺术家如此做的环境。我相信未来终究会有这么一天：某一时代焊接的与艺术家们名利、光环的焊接点一定会断裂！断裂后，可能会有一定数量曾经显赫的“艺术家”从裂缝中坠落。雪忠名不见经传，无所谓断裂不断裂，既使断裂也掉不下去。最近几年，雪忠比较系统的接受了对中国书法艺术的虔诚与敬畏的教育。他每次创作都是激动的，都想表达点什么。表达是艺术观对社会的认识，同时，通过汉字形的创造，也表现着社会。

应该说，在一件有价值的书法作品中，我们可以看到多种文明的活力在涌动着，传统的、现代的、书法本身的、其他艺术门类的，中国的、西方的。我曾多次说过，而且上海展的作品也尝试实践过——书法作品实际是一个矛盾的对立统一体。上海展后，针对某种非议，我把“对立统一体”用蔡邕的“阴阳生焉”作了进一步解释,这是书法艺术形式与内容层面的思考。从审美效果看，蔡邕在《笔论》中说：“为书之体，须入其形，若坐若行，若飞若动，若往若来，若卧若起，若愁若喜，若虫喜食木叶，若利剑长戈，若强弓硬矢，若水火，若日月，纵横可象者，方得谓之书矣。”可见，早在东汉时期我们的先贤就强调,书法创作有书法自己的形式语言,不再是横平竖直的实用要求,而是“若坐若行，若飞若动，若往若来，若卧若起，若愁若喜……若水火,若日月。”他似乎预料到2000年后，人们会把写字等同书法，会离开书法本体，以无限扩大书法作用的方式去献媚惑众，所以蔡邕以十分肯定的口气讲了什么是书法——就是我们引用那段话的结尾：“方得谓之书”。那些貌似褒奖和尊重国民性书法，实则是把书法当作一种外衣，哪里需要就给哪里披上，文化的、娱乐的、产业的、实用的，甚至健身的，无不如此。“越大程度上被用于特定的目的，它就越多地被剥夺了其古老的尊严，它产生奇迹的特权就会越多地被取缔。”这是一个相当复杂的问题。当艺术有意或者无意中被用于“特定的目的”时，其结局不亚于某个时代被麻醉。伤害到艺术本质的，是混淆艺术与非艺术，艺术与伪艺术的区别。难怪福西永在《形式的生命》里说：“要对一件艺术作品进行研究，我们就必须将它暂时隔离起来，然后才有机会学会观看它。因为艺术主要就是为了观看而创作的。”

观看中得到愉悦或郁闷，是人们精神层面的一种感受。书法作品作为观看的对象，看什么？我以为应该看的东西很多，结合雪忠的作品讲，重点是组合与墨色。正是围绕着“观看”这个中心，雪忠在大幅作品创作中，突出了艺术思考，表现的是艺术要素。他注重点画结体的组合，并通过对比，建立作品的整体结构。在墨色的运用上也一样，他不仅强调笔下墨色的变化，更重视墨色变化对墨色作用的影响。

我们说，组合过程应当有一定的秩序，这个秩序就是本文开头讲到的：组合元素的阴阳平衡，或者说矛盾的对立统一。当组合秩序紊乱或让人无法理解时，组合的结果一定呈分裂零散状态，从而失去了整体的特征。组合过程中的点画和结体，如果个个都是漂亮英俊而不肯接纳对方的单身汉，那么它们在整体观下只不过是过眼烟云的视觉碎片而已。因此，我们在创作和欣赏一幅作品时，首先需要将这幅作品作为一个整体去理解，也就是说，要理解作品的起承转合、内在特性和部分与部分之间的关系，部分与整体之间的关系。

组合对于书法创作而言，至关重要，不可或缺。但是，如果把组合理解为各就各位，像无句读的古文那样排列，绝对不是艺术创作的手段。点画与点画之间，结体与结体之间的边缘是组合的关键。它们是封闭还是开放，是相邻还是相接，是彼此之间你我分明，还是你中有我、我中有你？这些都是组合必须解决的问题。点画、结体的边缘一定要呈开放性和相容性，上一个点画或结体一定要给下一个点画或结体留下对接的接口，下一个点画或结体一定要与上一个点画或结体遥相呼应。当一方向对方伸出了橄榄枝，另一方就要热情的去拥抱它，这样，才是一次成功的组合。而雪忠的作品之所以成功，正是他注意了组合及组合关系。

对雪忠书法作品的墨色进行分析后，我对墨色作为书法艺术的一个艺术要素，有了更深的理解。墨色富有灵魂感，其变化如同太空一般，深邃而孕育了一切，又如同早上八九点钟的太阳，它是光明的起点。墨色具有不稳定性和相互作用性。大幅作品诞生以来，一个不容置疑的事实往往被忽视：即创作时当墨和水被分开使用时，在同时创作的几幅作品中，其墨色是完全不一样的。如果把墨和水调在一起使用另当别论。由于书法家用水用墨的习惯不同，也因用水用墨的先后顺序和数量的不同原因，其表现于作品中的墨色变化是客观存在的。长期以来，人们囿于“黑白”论的视野，看不到黑与白的程度变化。我们可以作一个具体的分析，创作中，每当你用墨分割一块书写面积时，被你分割剩下的白与其他位置的白，两个部位的“白”的白度是不一样的。如果以白为参照色，那么墨中的含水量的多少，书写速度的快慢以及墨与墨的距离等，都会使墨色发生变化。某种黑色瞬间前还是浅黑，当你在其他地方使了更淡的墨后，浅黑就会变成相对深黑。许多作者不十分在意这一点，他完成某区域创作后，这个区域的创作本来是令人满意的，可是在完成下一个区域创作中使用了不协调的墨色，反而使你原本满意的那个区域变得不满意了。通过上述分析得知，墨色的变化与墨色环境和墨色关系有关，我们要意识到发生在墨与墨，墨与白之间的变形关系是不稳定的,随时随地都可能因周围墨色的变化而改变自己。正是这种关系使得漆黑、乌黑、深黑、黝黑、灰黑、浅黑都是相对的、可调控、可利用的。它们相互依存而且互相影响，各种墨色表现均对它周围墨色产生依赖，同时也产生影响。墨色变化在作品中形成一种交互作用的网络，这个网络的和谐构成了一幅作品的墨色精神。另外，墨色还可以对点画结体的运动起到一定作用。浓淡枯湿的对比和呼应都具有运动感，对比产生跳动，而呼应却有趋近、接近的缓行感。

雪忠参加集会性书法活动并不多，只在同学们面前挥笔释怀。其实，他这种完全作为艺术创作的作品风格好与不好，尚缺乏一个共识性标准。同时，书法形式哪怕仅仅是争议，都很难有空间，所以，这类风格一开始就没指望被理解。的确，当人们不明白自己或别人重复古人和他人的行为的荒谬性的时候，创新性思维一定是绝望的，这种情况和书法艺术的艺术性被逐步消解是联系在一起的。

雪忠除创作草书作品外，兼及篆隶楷行诸体，总的看，不管哪种体，都很有味道，都出自传统，都在塑造个性。雪忠书法艺术的路还很远很长。远，是因为他有高古而深刻的追求；长，是因为遥远而陌生。所以，雪忠需要持之以恒，需要拓展前人没有走过的路。我相信，他一定能在书法的艺术性表现方面,走出一条属于自己的路。