大家刘正成

大仙

5月5日,《城市山林》何国门书画印展在北京元象艺术空间展出，同时，由曾翔先生主持座谈会，会上，刘正成老师一改往日的风格，利用这个展览，针对当前书坛的现象提出三点批评。结束时再次提到沉着痛快的书法创作思想，整个发言妙语纷呈，亮点不断，发人深省。
6 {* G- x* W& E( J注：标题为编者所加。此注。
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( B7 I. y) D( ~+ w# E, b- h; b【刘正成】：

% ^& T% T$ J9 E+ P; _0 I- G7 [* c我本来对座谈会上发了言就先走的现象很反感，除了特殊情况，这种人起码不知道听取别人发言就是学习的道理，说严重点就是装酷。但今天我确实不知道有个座谈会，以为剪了彩就可以走，家里约了外地来京的朋友，我发了言要先走，请大家谅解我这点特殊情况，不要认为我装酷。前几天碰见石开先生，说到沃兴华、胡抗美上海展的话题时，他说我一般发言是说好听的话，基本不批评人。今天我发言改为批评，说点不好听的话，我从批评前面三位发言人的观点说开如何？

第一个，我不同意徐正濂先生说的何国门太谦虚，没傲气；第二个，我不同意胡抗美先生说的书法不是写字；第三个，我不同意石开先生说的刘海粟是五十年来最优秀的书法家。
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当代书坛需要什么样的书法家？

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常言道：“人不可有傲相，但不可无傲骨。”国门就是这种无傲相、有傲骨的艺术家。“寄我清狂”这四个字是他妻子张斯泓题写在国门作品的引首上，可以为证。
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/ t( _3 r% c( s我现在获得了选择看展览的自由，从前我在书协做领导的时候什么展览都要看，那不好的展览近于“环境污染”，看了以后对自己有极大的消极影响，故古人把坏字称为“恶札”。记得去年湖南中青展参加讨论会，我作了一个发言。我提的问题是当代书法的“风格辨识度”。现在的书法到展厅里去不能辨认出是谁的作品，这给我们的展览机制造成消极影响是有关系的。我认为何国门他的书、画具有了很高的风格辨识度，甚至可以称作令人过目不忘。国门和斯泓是上世纪九十年代成熟的书法家，写这样具有独特个性的字，九十年代可以，但是今天这个时代并不吃香。自从高呼“回归二王”口号以来，用二王的点画结字为标准，国门的字便一无是处，尽管他和王羲之是老乡，也会被批评的遍体鳞伤，这个涉及到书法的标准是什么。

; k6 B6 I. U! f苏东坡曾经说过：“古人论书，兼论其人生平；苟非其人，虽工不贵。”看到何国门的作品，你就必然记起这个人，理解他用作品所“说”的“话”。何国门和他夫人都是九十年代中青展获过奖、入过展的，他们对自己的艺术追求保持了很高的自信度，他们不需要为了追求《圣教序》、《兰亭序》的点画标准，把小字用彩纸写成大篇幅去刺激评委眼目得奖，他就这样小张小张地挂在这里任你看不看。从他创作里面看到了他的生活与个性，还可以看见他的夫人，甚至可以看见他的老师鲍贤伦、徐正廉的为人，以及他们之间的低调作派和亲近关系。国门夫妇螯于一隅，不追时髦，“闭门造车”，故能高视阔步，我行我素，“目中无人”。这种书法恰恰是当代需要的。一看这个展览就联想到他这个人，和他的奇思妙想。他有点扬州八怪的习气，像伊秉绶那样用篆书的方法写隶书，他用隶书的方法写行、草，既古意盎然，又新颖别致。在新昌、剡溪那个地方，就是有东床坦腹、夜行访戴这样的奇怪人物和惊世的艺术，能够给我们留下深刻的印象。当然，国门离完美还有相当距离，但是令人过目不忘是做到了，这就是傲骨和风骨，是我们要追求的艺术的本质。
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从他的画来说，他的绘画具有设计和装饰品位，这样把他这种颇具有宋画笔墨的山水画转换成一种现代的审美符号。中间一座洋楼，四周是等待折迁的田地，他的画至少获得这个时代的文献价值。他的画这种非常强的形式感，也让我们想到一个艺术家的傲骨。

; S7 [' u* T+ C5 N% L, u第二个要批评的“书法不是写字”。
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书法当然就是写字！一个“书”字，不就是一只手拿着笔在写吗？不“写”字，难道你是“画”字？从前把不会“写”字的人才骂他鬼“画”桃符！书法写形又写心，这是文人艺术的“写意”核心，齐白石画虾，他偏偏用“写”题款，就是这个道理。刚才胡先生说张怀瓘的“唯观神采，不见字形”，从而阐释自己的草书作品的艺术性，鄙意以为是片面的、形而上学的。我要提醒一下，王羲之的“书圣”地位就是张怀瓘时代确立起来的，这在新、旧《唐书》有据可查的。张怀瓘的“神采论”就是建立在二王和东晋书法实践上的理论，王羲之有“神采”，难道他没“字形”？张怀瓘还说：“神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”“形质”岂能丢掉？张怀瓘《书断》把最高的书法称为“神品”，王羲之、王献之的隶书、行书、草书均在“神品”之列。胡先生的展览叫“情感与形式”，把“情”字独尊，但古代书法没有“情品”之说呵！古人用一个“神”字其妙无穷！“神”是情感与理性的融合体，是书法的最高境界。古人把画得最好的画叫“传神”，或者叫“写真”，“传神”与“写真”也是绘画的最高境界。

艺术上严格来讲没有新旧之分，只有好坏之别，也许是新的，但不一定是好的。情感的表达，离开我们要反映的现实生活，以及他的人文价值取向，是没有境界可言的。苏珊-朗格在表述符号美学的本质时提醒我们要区分自我表现与艺术表现。她说：“纯粹的自我表现不需要艺术形式。”这告诉我们，书法艺术不是自我发泄式的表现，它需要建立一套表象符号系统，作为艺术的符号形式创造，我们称之为“形质”，通过它去表现“人类情感”。作为表象符号载体的汉字字形所包涵的语义，即其文学意蕴作为某种推理暗示，就像交响乐的标题一样，绝不是可有可无的东西。艺术有美，但还有真和善。我觉得具有观念意义的书法恰恰具有某种当代性，是20世纪以来当代艺术即观念艺术的时尚，我们今天却把它搞反了。中国书法的行为性，是西方绘画走了一千多年以后才寻找到最新的艺术境界，我们恰恰要珍惜这种带着行为和观念价值的精英艺术。
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第三个要批评的是用个人的审美趣味代替艺术史选择。
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当然艺术家选择艺术的风格取向要以我为主，我喜欢谁的艺术你管不着！书法一定有他的形式价值，“永字八法”、“欧阳询三十六法”，就是书法点画、结字的量化规范。邱振中问：“神居何所？”这个“神”是居于什么所在很重要。石开先生似乎很欣赏胡抗美先生那些字形不完整的作品，这是个人趣味所在。这让我想起毕加索受了中国书法启发后所作的烟头画，与邵岩最近的针管水墨，这与把完整字形裁去一块的胡氏作品，创新精神可嘉，但应该归入抽象艺术或实验艺术的领域，它与中国书法的传统精髓似是而非。书法的字形完整无疑非常重要，一个字就是一个生命的精灵，把字裁去一块就是破坏了字形的完整性，宰杀了生命的精灵。你拿西方绘画来说，达-芬奇《最后的晚餐》有没有半张脸的人物？伦勃朗的《夜巡》和德拉克罗瓦的《希阿岛屠杀》，有没有半张脸的人物？这就是苏舜钦要把《怀素自叙帖》起首几行破损的字补齐的道理。
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地球的历史大约有45亿年，人类的历史大约五十万年，如果把地球的历史算成一天的话，人类的历史只是这一天的最后一分钟。中国书法作为自觉艺术的历史不到两千年，在人类的历史上也是非常短暂的，甚至昙花一现的。所以我们千万不要轻视书法艺术所积累的历史审美经验，不要轻而易举挥之即去，相反我们要爱护它，保护它，极力让它积累到一个更新的高度。特别是形式创造上所积累的经验，还不能轻易抛弃。我最近重温了书法审美历程，深感书法在形式标准上的变异与递进并非某个人的空穴来风变换花样，它是在诸多制约中成熟起来的。从艺术史的角度看问题，当然沙孟海比刘海粟好，而且好很多。我非常理解石开先生他所说的刘海粟的意义，但他的判断要作为一个艺术史结论的话，我认为是一种误判。如果再把误判传开去，就可能会变成一种误导。假如再进入市场的话，我也许会怀疑石开先生是刘海粟的拥趸了。哈！

今天参加这个讨论会能发表我的拙见，也希望借此听到反批评。最后还要送国门一句话供参考：“‘沉着痛快’是古训，国门的字沉着尚有余，痛快还不足。”谢谢。

沙咏

理论高于实践